Estamos ante una de las figuras mas relevantes de la historia del Hard Rock. Un pequeño cantante con un registro vocal espectacular, que tristemente nos ha dejado hace unos dias, víctima de un cáncer.
Recuerdo cuando hace escasamente unos meses, se anunciaba que Ronnie comenzaba la implacable lucha con la recién diagnosticada dolencia, y en alguna entrevista hacía referencia a ella, de una manera valiente, optimista y con una fortaleza digna de su fiera voz.
Una voz fiera en un frágil y menudo cuerpo, dentro de una persona excepcional, amable en sus apariciones públicas, simpático y afable. Un pena enorme su pérdida.
No podía dejar pasar en este humilde blog, el realizar un homenaje a este pequeño gran hombre, realizando un breve repaso a su carrera.
Comenzamos, en los inicios de la década de los 70, cuando Ronnie comienza a tener un cierto nombre en el panorama musical, en la banda británica Elf, un grupo que comenzo a llamar la atención de la crítica al ser en varias ocasiones teloneros de Deep Purple.
Y es este un hecho muy importante para Ronnie James Dio, ya que aquí se fragua su amistad con Ritchie Blackmore (guitarrista de los Purple), y que tendría mucha relevancia posteriormente en su carrera.
En 1975, Blackmore, el mítico guitarrista de los Purple, abandona el grupo, cansado de la deriva funky que Coverdale y Hughes le estaban dando a la banda. Rápidamente comienza su proyecto en solitario, en el que da rienda suelta a sus inclinaciones musicales favoritas; el hard rock mas clásico, con elementos épicos, la inspiración medieval en ciertos momentos, y todo aderezado con la influencia blues que Blackmore siempre tuvo como referente .
La criatura que Blackmore trae al mundo, no sería otra que el grupo Rainbow, el cual tendría una importante repercusión en el panorama musical, sobre todo a partir de 1980 con Graham Bonnet en las voces, y posteriormente con Joe Lynn Turner en el mismo cometido, dando un giro comercial y ligeramente Pop, con melodías que llegan muy arriba en los charts como I Surrender o Since You Been Gone.
Pero esto es otra historia, y los comienzos de esta banda, se realizan con Ronnie James Dio en las tareas vocales. Es esta para mi la mejor época de Rainbow, ya que además de la inspiración que demuestra el guitarrista con un exhibición de mágicos solos, nos encontramos con la explosión vocal de Ronnie, dueño de unos registros inolvidables.
El primer LP, denominado como Rithie Blackmores Rainbow, nos regala dulces temas como Catch The Rainbow, o potentes perlas roqueras como Man On The Silver Mountain, demostrando el eclecticismo vocal de Dio. En 1976 aparece como un meteorito golpeando la tierra, el Rainbow Rising, un disco antológico con cuasi sinfónicas piezas como la grandiosa Stargazer.
Y ya en 1978, el último disco con Ronnie, Long Live To The Rock And Roll, cuya canción que da título al álbum, se convierte en un himno y una auténtica declaración de intenciones. Destaca de todas formas por encima de todas, Gates of Babylon, un tema con tintes épicos y arábigos, musical y vocalmente perfecta.
Desgraciadamente, Ronnie no pudo con el férreo control que Blackmore ejercía. Esos años en Rainbow le habían puesto en el disparadero, y little Ronnie se veía con fuerza para volar en busca de nuevos proyectos.
Y en efecto aprovechó una oportunidad única en 1980, para nada mas y nada menos que sustituir a Ozzy Osbourne en Black Sabbath, una banda ya asentada en el olimpo de las grandes y una misión muy complicada para Dio, ya que los fans acérrimos no se lo iban a poner fácil, al mantener todavía en sus retinas el cercano recuerdo de Ozzy.
Ronnie se puso el mono de trabajo, y se despacha con dos obras maestras, que son capaces de competir con la larga y previa historia del grupo con Ozzy. Estamos hablando de los lps Heaven and Hell, con la canción del mismo nombre que quizás sea la mas laureada de Dio en toda su larga carrera, y del disco del 81, Mob Rules. Dos trabajos exitosos en cuanto a ventas, público y crítica.
De todas formas la gran prueba para nuestro protagonista iba a ser su ejecución en directo de los clásicos de la época de Ozzy, y en este apartado su nota supera el notable, interpretando majestuosamente clásicos como Paranoid, Iron Man o Sabbath Bloody Sabbath.
En 1982 finaliza momentaneamente su relación con los Sabbath, e inicia una larga carrera en solitario, en la que sigue dando rienda suelta a su grandiosa voz, incorporando una estética mas fantástica, y épica, manteniendo muchos aspectos heredados de sus anteriores experiencias en Rainbow y Sabbath. Destaca sobre manera en esta época la canción Holy Diver, del año de su debut en solitario, canción que se convertiría en uno de sus estandartes y que le reportaría uno de sus mejores resultados comerciales. Otros muchos temas se reparten a lo largo de los años 80 y 90 en sus sucesivos discos , We Rock, The Last In Line, Rainbow In The Dark.. y así hasta un largo etcétera.
Nos encontramos en 1992, y regresa con el guitarrista Tony Iommi a Black Sabbath, despachándose con un disco brutal en cuanto a contundencia de sonido, Deshumanizer, aunque para mi gusto perdiendo los matices de la época de Heaven and Hell.
A este breve impass de regreso a Sabbath, le suceden nuevos discos en solitario, para en los últimos años regresar con sus compañeros de Sabbath en el proyecto denominado Heaven and Hell (nombre elegido en lugar de Black Sabbath, supongo que por problemas legales con Ozzy, aunque ahí no estoy muy seguro), con dos discos y las correspondientes giras, demostrando estar en una forma envidiable, haciendo gala de una voz que jamás flojeó, (un caso de los únicos en este tipo de cantantes), ya que su registro era el mismo o mejor que hace veinte años.
Y esta es la breve historia que como homenaje quiero dedicar a la memoria de este personaje, quién con su voz tan gratos e inolvidables momentos nos hizo pasar a los amantes de su música. Larga vida al Rock and Roll y larga vida a Ronnie James Dio, descanse en paz.
Eterna discusión sobre quién o quienes fueron los grupos mas importantes, en este extenso e importante campo musical. Lo que es seguro es que siempre figuran como supuestos creadores y en el podium de honor, los británicos Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple. La cuestión es en que orden y en ese aspecto si que existen divergencias. Yo simplemente voy a exponer mi humilde opinión.
Lo primero es situarnos en el tiempo, y describir el significado de Hard Rock, cosa complicada para un aprendiz de estas cuestiones, pero voy a intentar hacerlo de una manera simple.
Nos situamos a finales de los 60 y las dulces melodias Pop de grupos como Beatles o Beach Boys, asi como las reminiscencias del Rock and Roll clásico con Elvis o Roy Orbison, comienzan a verse amenazadas por un sonido menos melodioso, a cargo de grupos como los Rolling Stones o The Kinks, los cuales ofrecen una cara menos amable. Incluso los Beatles modifican su sonido desde 1967, dándole contundencia por momentos, vease o escúchese Helter Skelter por ejemplo, o introduciendo elementos de la psicodelia emergente como en el caso de Lucy In The Sky With Diamonds.
A partir precisamente de 1967 además de ese sonido inconformista y gamberro - por decirlo de alguna manera - comienzan a aparecer otros músicos o grupos que introducen una serie de elementos, como son el predominio de la guitarra y batería, en una especie de electrificación del Blues, donde los largos y aparatosos solos comienzan a tener gran protagonismo, y destacando en esta primera hornada los Cream de Eric Clapton, Hendrix o Grand Funk Railroad.
Pero es a partir de 1968 cuando el Hard Rock como estilo parece gestarse - y digo parece - porque me temo que este es un término que se acuñó a posteriori, para describir el comienzo de este género musical. Aparece entonces sobremanera Led Zeppelin, heredando muchos puntos del viejo blues, añadiendo densidad a la parte rítmica, destacando los grandes solos , la distorsión en la guitarra de Jimmy Page y la voz felina y lastimera por parte de Robert Plant. En definititiva se intuía que algo estaba cambiando, pero hasta entonces nada se le asemejaba. El vuelo de este dirigible va desde 1968 hasta 1980 con la triste muerte del batería John Bonham, y mantienen la misma formación y unos resultados de ventas espectaculares a ambos lados del Atlántico con discos como Led Zeppelin IV, Phisical Graffitti o Presence.
A estos elementos aportados; otro grupo, Black Sabbath, les añade una aureola oscura, mas contundente, y menos contemplativa con los viejos maestros del Rock and Roll. Los tenebrosos riffs del guitarrista Tommy Iommi, se unen a la no especialmente poderosa voz de Ozzy Osbourne, pero si en cierto modo, muy siniestra y carismática. Los Sabbath tienen su mejor época, con estupendas ventas desde 1970 hasta la marcha de Ozzy Osbourne en 1978, con discos como Paranoid, Sabbath Bloody Sabbath o Master of Reality. Ronnie James Dio, sustituye a Ozzy, manteniendo la buena línea en el disco de 1980 Heaven and Hell, aportando mayor calidad vocal, pero perdiendo quizás el carisma del cantante primigenio.
Pues bien, tenemos a un grupo que se codea con los grandes músicos de todos los estilos, como es Led Zeppelin y a otro, Black Sabbath, con menores ventas en comparación, pero a los que se considera como los auténticos creadores del estilo que nació a consecuencia lógica del Hard Rock, como es el Heavy Rock o Heavy Metal.
Es importante aclarar que aunque el Heavy es una evolución clara del Hard Rock, son dos estilos diferentes. El Hard Rock hereda directamente del Blues, y el Rock and Roll clásico, manteniendo muchos aspectos de ambos, a pesar del endurecimiento del sonido. El Heavy se centra mas en la velocidad o la ampulosidad del sonido, sin apenas concesiones a otros estilos, añadiendo una estética mas exagerada y llamativa. En resumen, se puede decir que el Hard Rock es mas amplio y abierto. Pero ojo este es un análisis rápido y simple ya que a finales de los 60 aparecieron otros estilos como el Rock Progresivo o el Sinfónico, y a finales de los 70 la irrupción del Heavy también se fue ramificando en diferentes subgéneros, como el Trash Metal, Death Metal etc .
En definitiva, este análisis es mas complejo de lo que parece, y conviene resaltar que tanto el Heavy como el Hard llegan a convivir, por ejemplo Judas Priest (Heavy) y Whitesnake (Hard) en los años 80, y así multitud de casos.
En cuanto a la importancia o hegemonía, pues unos consideran a Led Zeppelin como los mas importantes, otros sobre todo en USA a Zeppelin con Sabbath, pero sin embargo otros, quizás mas en Europa a Led Zeppelin y Deep Purple... Precisamente a estos últimos dejo para el final, ya que son los mas prolijos de analizar debido a su convulsa historia.
El Laberinto Púrpura:
Cuando Led Zeppelin ya tenía muy definido su sonido y propuesta en 1968 y 1969, comenzaban una titubeante andadura los Deep Purple con su primera formación, conocida como el MK1 (Ritchie Blackmore en la guitarra, Jon Lord en los teclados, Rod Evans en la voz, Ian Paice en la batería y Nick Simper en el bajo), y digo titubeante ya que en sus primeras obras como Shades of Deep Purple o The Book of Talyesim, deambulaban entre el Pop convencional , el sinfonismo en temas como April, o el recurso de las versiones como Kentucky Woman de Neil Diamond. Dentro de esta indefinición logran cierta repercusión con el primer LP Shades y el single Hush en USA, con lo que empiezan siendo profetas fuera de las islas, donde eran ignorados.
Todo esto cambia con la bizarra expulsión del cantante y el bajista, obra de una pérfida confabulación de Lord y Blackmore, pero que a la postre y aunque de forma un poco puñetera, resultaría harto beneficiosa. Aparecen entonces Ian Gillan en la voz y Roger Glover en el bajo a finales de 1969, configurándose el line up mas famoso de la banda, el denominado Mark o Mk 2.
Tras un golpe de efecto con el curioso Concerto for Group and Orchestra con la Filarmónica de Londres, que les hace asomar por fin en los medios británicos, se despachan con una obra contundente, rockera y virtuosa por doquier, In Rock en 1970. Este disco les situaría en la vanguardia que un poquito antes habían conocido Zeppelin y Sabbath, destacando en el álbum la gloriosa Child In Time, como obra maestra de la banda, y consagración de la voz de Ian Gillan. Andrew Lloyd Weber y Tim Rice, necesitaban a alguien que pusiera la voz al personaje de Jesucristo, en el álbum original de Jesus Christ Superstar. Escucharon la demo de esta canción antes incluso de que saliera el disco, y no dudaron un segundo.
Aporta esta formación demasiado arsenal y unas características propias; por un lado, el virtuoso clasicismo en los teclados Hammond de Lord, por otro, la belleza y agresividad en la guitarra de Blackmore, y como no, una voz prodigiosa la de Ian , capaz de subir y bajar octavas como si nada, influyendo en su manera de cantar a multitud de cantantes posteriores. Este disco les da el número 4 en las islas, y el single Black Night el número 2, aunque en USA se pierden en los confines del Billboard (lista de éxitos americana).
Pero es solo un buen comienzo, el cual es refrendado con el siguiente disco Fireball en 1971 que les catapulta al número 1 en Inglaterra y asoman con fuerza en US apareciendo en el Top 20, destacando en este disco temas como Fools, Anyones Daughter, o Strange Kind of Woman.
Comienzan las exitosas giras, la fama y las tensiones. En 1972 aparece su obra maestra Machine Head, con canciones emblemáticas como Smoke On The Water , Highway Star o el soberano Rithm and Blues que se marcan con Lazy. Número 1 de nuevo en las islas y 7 en USA. La discográfica les pide un disco en directo y algunas de las actuaciones en Japón son reflejadas en el archiconocido Made In Japan, que entra en el Top 6 americano, logrando por única vez, mejor resultado que en UK.
Entramos en 1973, y se publica el Who do We Think We Are (curioso título -Quien nos creemos que somos-), que logra también buenos resultados, pero que adolece de la fuerza de Machine Head, destacando la evocación a la tierra del sol naciente con Woman From Tokyo, y la declaración de amor/ odio que Gillan dedica a Blackmore en Smooth Dancer.
Están en la cima. Al final de este año, 1973, son el grupo que mas discos ha vendido en USA durante ese periodo. Nadie les hacia sombra en directo y eran un auténtico acontecimiento, pero no logran seguir con una línea ascendente y contínua como si lo consigue Led Zeppelin por ejemplo. Una mala planificación de los managers, les hace girar compulsivamente, provocando entre otras cosas problemas de convivencia, sobre todo entre Gillan y el dificil, dominante y exigente Blackmore. La consecuencia es que Gillan anuncia su salida del grupo en 1972, produciéndose esta en Junio de 1973.
A Gillan se le une su fiel amigo el bajista Glover, dejando en cuadro a la banda. La maquinaria no podia parar en ese goloso momento, y la discográfica les encomienda la busqueda de sustitutos. Y asi se produce, entran David Coverdale (futuro cantante de los Whitesnake) y Glenn Hughes en el bajo y apoyando en tareas vocales.
El cambio es importante, le dan al grupo un fresco aire funky y blues, logrando este Mark3 con el disco Burn de 1974, el número 3 en las islas y el 6 en el mercado americano.
Parece que el cambio no es tan traumático y mantienen el éxito siendo los cabeza de cartel en el multitudinario festival California Jam. Rápidamente proceden a elaborar un nuevo disco, Stormbringer, pero la acentuación funky que se produce, incomoda sobremanera a Blackmore que en 1975 abandona, para formar los exitosos Rainbow. Nuevo golpe, este mas duro si cabe, ya que se va uno de los fundadores y probablemente la estrella del grupo.
No desfallecen, y los fundadores Paice y Lord, junto a los llegados un año antes Coverdale y Hughes, se hacen con los servicios de un guitarrista americano de calidad, poco dócil y desgraciadamente toxicómano, Tommy Bolin, realizando en 1975 un disco con flojos resultados, Come Taste The Band.
En 1976 realizan una gira y los miembros fundadores que quedan en la banda, Lord y Paice, totalmente desmotivados y agotados abandonan, poniendo fin momentaneo al grupo.
Es importante resaltar que en este intervalo de locura púrpura, (1968 - 1976), tanto Zeppelin como Sabbath mantuvieron la misma formación.
Pero no todo es negativo en tanto cambio de formación, ya que desde 1976 comenzaron a proliferar los proyectos de los ex purple con bastante éxito en algunos casos, aportando al universo roquero mas que sus rivales en cuanto a material efectivo. Destacan los Whitesnake de Coverdale, los Rainbow de Blackmore (con cantantes como Ronnie James Dio, Graham Bonnet y finalmente en su época mas comercial y exitosa a nivel ventas Joe Lynn Turner) , la colaboración de Paice con Gary Moore o los Snake, Jon Lord con discazos como Before I Forget, Glenn Hughes con sus discos en solitario o incluso la banda de Gillan (denominada Ian Gillan Band desde 1976, hasta 1979, y simplemente Gillan de 1979 A 1982) logrando un número 2 en las islas con el disco Future Shock de 1981. Son todos ellos muestra del potencial individual de la maquinaria púrpura .
No se acabaría aqui ni mucho menos la vida púrpura. En 1984 la discográfica Polydor, ofrece un contrato millonario al Mark 2 para su regreso, es decir ( Blackmore, Gillan , Glover , Lord y Paice), y asi ocurre con el disco con significativo título Perfect Strangers. Logran muy buenos resultados, son platino en UK y USA, realizan una de las giras mas exitosa acaecida en tierras americanas por ningún músico en ese año y vuelven a lo mas alto.
Pero se produce un nuevo bajón, aunque mantienen un poco el tipo con el siguiente disco de 1986 The House of Blue Light, las desavenencias entre cantante y guitarrista regresan y en 1989, ante la desidia de Gillan y las maniobras de Blackmore, deciden entre todos expulsar al primero.
Este golpe es definitivo, marca el declive del grupo, y empieza a notarse el olvido mas absoluto por parte de los medios de comunicación salvo alguna reseña. En 1990 entra en lugar de Gillan el ex cantante de Rainbow (grupo de Blackmore, previo a la reunión y que anteriormente menciono) Joe Lynn Turner, mucho mas melódico y dócil para el enfoque que el guitarrista quería dar a la banda. Realizan un disco Slaves and Masters, de calidad, pero mas en la línea del rock melódico americano de Foreigner o los propios Rainbow, creando cierta confusión y perdiendo personalidad su sonido. El resultado son malas ventas y gira controvertida, ya que los fans no ven con muy buenos ojos la presencia de Joe, interpretando los clásicos de la banda.
Y vuelve Ian Gillan en 1993 para el disco The Battle Rages On, parecen recuperar un poco la fuerza, pero adolece de originalidad y Ritchie Blackmore se mantiene a disgusto por el regreso de su ya enemigo irreconciliable. En la gira mantienen el tipo, cumplen, y a Blackmore no se le puede reprochar nada en cuanto a su ejecución, pero su desgana es tremenda.
Antes de que esta gira termine, el que abandona ya definitivamente es Blackmore, y previa ayuda de Joe Satriani para finalizarla en 1994, un nuevo sustituto Steve Morse, aporta nuevos brios y frescura en 1996 con el buen LP Purpendicular. Asi hasta el dia de hoy, con otros tres discos (Abandon, Bananas y Rapture Of The Deep) y las giras correspondientes.
Y siguen estos viejos roqueros desde entonces. Se les ve contentos y ya sin mayores pretensiones. Lo hacen aceptablemente, e incluso Gillan ha recuperado parte de la voz que pasó por deplorables momentos a finales de los 80. Pero la realidad es que tantos cambios han despistado ya a muchos de sus antiguos fans y se añora a Lord y a Blackmore, ambos parte indispensable de la estructura histórica púrpura. Sus sustitutos (Don Airey en los teclados y el ex Dixie Dreggs Steve Morse en la guitarra), son excelentes músicos, pero por momentos pareciesen mas una banda tributo. La esperanza de un gran concierto despedida con todos los ex miembros vivos, es un utopía para muchos de sus fans, debido principalmente al interés de Ian Gillan de seguir manteniendo vivo al grupo, y a las desavenencias, parece que irreconciliables con Ritchie Blackmore.
Ya para concluir, incidir en que no supieron mantener la mística de sus coetáneos. Led Zeppelin, por ejemplo, dieron carpetazo en 1980 con la desgraciada muerte del batería, y luego simplemente hicieron algún esporádico concierto de reunión, con lo que mantuvieron la llama y la expectación. Consecuencia de esto es el olvido, o por ejemplo no estar en el Rock and Roll Hall of Fame de momento (parece que hay voces que se acuerdan de ellos y los reclaman, aunque yo me pregunto quien acudiría a la ceremonia, ¿el mark2?, ¿el 2 y el 3?, ¿todos? ¿Blackmore y Gillan reconciliándose o peleados sin mirarse?).
Asi que es evidente que no hicieron algunas cosas bien, no supieron mantener los egos aparte en momentos cruciales, aunque también es cierto que las discográficas presionaron para mal. Pero es triste pensar que sin duda podrían haber sido los mejores, si en muchos aspectos se hubieran planteado las cosas de diferente manera. Es probable que si dos genios como Gillan Y Blackmore, hubieran dejado sus desavenencias aparte, y el Mark 2 se hubiera mantenido hasta finales de los 70, probablemente estaríamos hablando de uno de los 5 grupos mas importantes de la historia de toda la música, sin negarles claro está, la importancia y repercusión que aún así tuvieron.
En 1970, se produce un hecho trascendental en la historia del Rock y el Pop, The Beatles, la banda mas famosa de todos los tiempos se disuelve después de su último trabajo, Let It Be.
Se barajan multitud de causas; diferentes ópticas profesionales, hastío y agotamiento provocado por el tremendo éxito y todo ello unido al ligero factor desestabilizador introducido por la continua presencia de Yoko Ono en la rutina del grupo desde 1968...
A pesar de la ruptura, la vida sigue, y el espiritu creativo de John y Paul sobremanera, sigue adelante con una extensa carrera en solitario, cortada de cuajo la de Lennon por su asesinato en 1980.
Paul MacCartney, afamado bajista, cantante y cuasi multiinstrumentista, inicia en la década de los setenta su largo periplo, primero con los Wings, para proseguir ya como Paul MacCartney a secas, eso si, siempre acompañado por su fiel esposa Linda, y por grandes músicos como el guitarrista Denny Laine o el bateria Denny Seiwell.
Su propuesta es menos experimental y combativa que la de Lennon, y se centra en navegar con mucho atino por diferentes estilos, que van desde el pop y el rock, hasta incluso algún guiño folk. Todo ello con un toque comercial muy efectivo y que le dió grandes resultados en cuanto a ventas, manteniéndose en la vanguardia de la música pop.
Canciones como Band On The Run, Jet, C Moon, Maybe Im Amazed o las ya ochenteras, No More Lonely Nights o This One son muestra de su buen hacer, destacándo su dueto con Michael Jackson en la canción Say, Say, Say del LP Pipes of Piece de 1983.
No tiene Paul una relación muy estrecha con el rock mas potente o hard rock, salvo algunos guiños con los Wings en los 70, pero si me gustaría destacar la colaboración que en el disco de 1999 Run Devil Run , realiza con alguno de los instrumentistas mas afamados del hard rock como Ian Paice, batería de Deep Purple, o del denominado rock progresivo o sinfónico como David Gilmour, guitarrista de Pink Floyd.
En este disco se revisitan una serie de temas clásicos del rock and roll de los 50 como Blue Jean Bop de Gene Vincent, All Shook Up de Elvis o Lonesome Town de Ricky Nelson. Es esta la unión de unos músicos, iconos del rock de los 60 y 70, homenajeando a los padres de todo un estilo y bajo la batuta de uno de los músicos mas importantes y carismáticos de la historia de la música, Sir Paul MacCartney.
Tom Sholtz a la guitarra y Brad Delp en el apartado vocal, son la columna principal de esta banda, precursora del AOR o el Hard Rock melódico. Y fue con su álbum debut, con el que lograron las cifras de ventas mas espectaculares, concretamente en 1976 con el disco que da nombre al grupo y sobre todo, gracias al single "More Than a Feeling", una de esas canciones atemporales, y que siempre se escuchará en alguna emisora de cualquier lugar, como el "Yesterday" de los Beatles o el "Stairway To Heaven" de Led Zeppelin.
Como suele ser habitual en estos casos, la casa discográfica CBS ve el filón y les apremia para sacar otro álbum en 1978. Así ocurre para disgusto del guitarrista Tom Sholtz, como el mismo reconocería en posteriores entrevistas. Se publica entonces el cortísimo y forzado álbum "Dont Look Back" de solo 29 minutos. Buen disco a pesar de todo, pero con el que no lograrían el éxito del anterior.
Después de una agotadora gira, llegan unos años de sequia, y no será hasta 1986 cuando regresen con un nuevo álbum "Third Stage", y este si con una gran acogida, gracias sobre todo a la emotiva balada "Amanda".
Otro disco en 1994 "Walk On", sin apenas repercusión y poco mas de si. Además la desgracia se cebaría con ellos, mas concretamente con uno de sus miembros esenciales, el vocalista Brad Delp, el cual fue encontrado muerto, victima de un suidicio hace unos años.
La vida sigue, y Tom intenta mantener el nombre de la banda con nuevos miembros como el actual vocalista Tommy de Carlo. Savia nueva y calidad innegable, aunque sin duda alguna, se les recordará y pasarán a la historia por las canciones que figuran en esta compilación, muestra del buen hacer de esta histórica banda, pero que tristemente, bien por falta de buena planificación, descanso o trato de la discográfica, no tuvieron una mayor consistencia y trayectoria.
Para hablar de esta gran banda, debemos remontarnos al año 1973, momento de la disolución del grupo Free, los cuales también habían logrado una importante repercusión con Hits como "All Right Now" en 1970.
Su vocalista Paul Rodgers y el batería Simon Kirke, se unen al guitarrista ex "Mott The Hopple" Mick Ralphs y al bajista Boz Burrell, para iniciar en Noviembre de 1973 este nuevo proyecto llamado Bad Company.
Mantienen el marcado aire blues rock de Free, aunque algo mas matizado y menos salvaje, teniendo Paul Rodgers el principal protagonismo, y confirmándose como otro de los grandes vocalistas de la época.
Como nota curiosa, Paul fue tentado por los Purple para sustituir a Ian Gillan en 1973 y en los últimos años ha girado con Brian May y Roger Taylor de Queen, interpretando temas de esta mítica banda, sustituyendo al tristemente fallecido Freddie Mercury.
Pero volviendo a la trayectoria de Bad Company, ya desde el primer momento comienzan a tener muy buenas cifras de ventas a un lado y al otro del atlántico. Su primer disco titulado con el nombre del grupo, es un auténtico grandes éxitos, con canciones como "Cant Get Enough" o "Ready For Love".
Mantienen las cifras con el siguiente álbum "Straight Shooter", destacando singles como "Feel Like Making Love" o "Good Lovin Gone Bad", y llegando al número 3 en las listas de ventas en Reino Unido y USA.
A finales de la década comienzan a perder fuelle y aunque con "Desolation Angels" de 1978 todavía nos regalan joyas como "Rock And Roll Fantasy" o "Rithim Machine", se produce un bajón creativo con "Rough Diamonds" de 1982, último disco de esta formación, aunque no de la banda, que posteriormente seguiría sin Paul Rodgers.
Regresan en 1998 para editar esta recopilación de su mejor época, grabando además 4 canciones inéditas que serían incluidas en el álbum.
Como muchas viejas bandas que continúan en la actualidad o regresan, nada vuelve a ser lo mismo, el mercado musical y las nuevas tendencias son una losa muy grande para poder regresar al primer plano. Sin embargo para muchos nostálgicos, nos ha quedado su maravilloso legado, en forma de unos discos y canciones para el recuerdo.
En Junio de 1973 el vocalista Ian Gillan abandona Deep Purple. Un duro golpe para una banda en la cima. En ese año, figuraban en al Billboard americano como el grupo con mas discos vendidos, girando exitosamente y de una manera compulsiva por todo el globo.
Pero la gran maquinaria que suponían los Purple debía continuar con Gillan o sin él, con lo que la discográfica les azuzó para que se pusieran manos a la obra en busca de un sustituto, y no tardó en aparecer. Un jóven de 22 años llamado David Coverdale ayudado en las tareas vocales por el también nuevo bajista Glenn Hughes, dieron unos nuevos brios al grupo a base de pinceladas blues y funky, lo que les aportó frescura, nuevos fans y otra época de gloria con discos como Burn y Stormbringer en 1974.
En 1976 Deep Purple cesa temporalmente hasta la reforma del mk2 con Gillan, Lord, Paice, Glover y Blackmore en 1984, y David Coverdale inicia su carrera en solitario con discos como, David Coverdale Whitesnake y Northwinds en 1976 y 1977, para ya debutar como Whitesnake, con el LP Trouble en 1978.
Es a partir de este disco cuando a mi entender, se fragua el verdadero sonido Whitesnake, hard rock con un aire bluesy, que se amoldaba perfectamente a las características vocales de David, una voz por naturaleza grave, pero que comienza a ganar en fuerza y matices, cosa que en sus inicios en Purple, quedaba algo opacada por el torrente de voz del bajista Hughes, en la curiosa dupla vocal que ambos formaban.
Los Snake comenzaron a despuntar en Inglaterra y resto de Europa, con los siguientes discos, Love Hunter (1979), Ready and Willing (1980), Come and Get it (1981) y Saints and Sinners (1982).
En esta época, además del torrente de voz de David, destacaban en la guitarra Bernie Marsdem y Micky Moody, o los ex purple Jon Lord en los teclados e Ian Paice en la batería.
El éxito en las islas les lleva a ambicionar mas, y el objetivo de Coverdale era lograr entrar y destacar en el duro mercado americano. Esto es lo que ocurre con la edición de Slide It In en 1984. Por un lado apareció una versión con Mel Galley y Mickey Moody en las guitarras, Jon Lord en los teclados y el mítico Cozy Powell en la batería, y por otro lado una versión para el mercado americano, con John Sykes como guitarrista, Neil Murray al bajo, y Bill Cuomo sustituyendo en los teclados a Lord, quien se apresuraba a participar en el millonario regreso del mk2 de Deep Puple en 1984.
En esta versión dirigida a las FMs americanas, se regrabaron las partes de guitarra y bajo, sonando mas potente y actual, pero perdiendo un poco ese sutil toque bluesy de los discos anteriores. El cambio de imagen con el rubio y estilizado Sykes también fue definitivo, así como la realización de videoclips para la MTV, al uso en aquellos años 80.
El resultado es la primera entrada importante en listas americanas, con canciones como Slow and Easy o la magnífica Love Aint No Stranger, que daban un nueva dimensión al grupo y suponía una transición clara entre los viejos Whitesnake y los Whitesnake multiventas de 1987 con Is This Love o Still of The Night.
Como siempre, hay quién prefiere a los primerizos y puros Whitesnake. Yo particularmente me quedo con este disco, el cual supone una perfecta mezcla de lo mejor de ambas épocas, y es para mi uno de los puntos álgidos en la voz de este histórico vocalista, que pasó de ser un bien arropado, pero inseguro y tímido novato en los Purple, a un frontman con un impresionante derroche de energía, calidad y carisma, llegando a convertirse en un auténtico mito del rock.
A pesar de haber vendido mas de 130 millones de discos en todo el mundo, no lograron trascender a la categoría de mito como si lo hicieron otros conjuntos con similares cifras. La explicación puede deberse a que no crearon un estilo o una moda musical, por lo que no se puede decir que influyeran en posteriores generaciones de bandas, que tomaran como ejemplo su legado.
Los Quo se limitaron a heredar las bases del rock and roll mas clásico, y sin excesivas pretensiones se movieron en ese ámbito, eso si, fieles a su estilo y logrando situarse en un muy honorable lugar en la constelación roquera.
Diferentes cambios de formación se sucedieron en su dilatada carrera, pero la columna vertebral constituida por Francis Rossi (guitarra solista y voz principal) y Rick Parfitt (guitarra rítmica y voz), se mantiene desde sus comienzos en 1967.
Y fueron sus inicios los mas peculiares, ya que en esos años su sonido se inclinaba hacia la psicodelia, y veían la luz las composiciones mas lisérgicas de su carrera, véase o escúchese mejor, Pictures of Matchstick Man (1967) o Ice in The Sun (1968).
Se adentran en los años setenta y es aquí donde se fragua su sonido de rock alegre, básico y con muchas referencias a los maestros de los 50 como Little Richard o Jerry Lee Lewis. No hay composiciones pomposas ni grandes solos mareantes, rock and roll directo y muy bien ejecutado, alternando con alguna y mas que destacable balada. Resaltan en esta época Roll Over Lay Down (1973), Rain (1976) o la evocadora y una de las mejores aportaciones de Parfitt en el apartado vocal, Living On An Island (1979).
Como no, también Status Quo puede presumir de himnos, esas canciones que hasta el mas profano ha escuchado alguna vez pero no sitúa su procedencia. Ejemplos de estos son temas como Rockin All Over The World del 77, o Wathever You Want de 1979.
Nos adentramos en los años 80 y se aprecia un ligero cambio en algunas de las canciones de sus álbumes, aunque la esencia sigue siendo la misma.
El caso mas significativo es el álbum de 1986 de gran éxito en toda Europa y particularmente en España, con la canción que da nombre al disco, In The Army Now, un tema antimilitarista, con un sonido moderno y comercial. Muy buen tema y un gran acierto, que demuestra que aunque no fueron muy dados a experimentar con nuevos sonidos, las pocas veces que lo intentaron, lo hicieron con notable dignidad.
En esta recopilación se muestra lo mejorcito de la banda, y creo que es la mejor manera de definir a este magnífico grupo, que mas que destacar por algún álbum en concreto, lo hacen por su cantidad de singles de éxito, repartidos a lo largo de su dilatada carrera.
Como muchos grupos que siguen en activo desde tiempos pretéritos, sufren un bajón creativo en los 90, acudiendo a versiones y colaboraciones con otros artistas, pero parecen recuperar la forma con excelentes obras como Heavy Traffic de 2002. En definitiva indispensables y para todos los públicos.
Puedo afirmar que con este grupo comenzó realmente mi afición a la música, el afán de coleccionismo y la emoción de comprar cada mes uno de sus LPs en vinilo. Fuí de adelante hacia atrás cronológicamente en mis adquisiciones, y trás descubrir su faceta mas evidente y conocida en aquellos momentos, me adentré en unos discos, sobre todo los primeros, que me sorprendían uno tras otro, y muy gratamente.
Desde 1977 en adelante, obras como News of the World, The Game, The Works o The Miracle, nos mostraban unos Queen con una base roquera, pero muy eclécticos y juguetones con todo tipo de estilos gracias a un Freddie Mercury genial, moviéndose como pez en el agua en estilos operísticos, funkies o discotequeros.
A Freddie le gustaba experimentar tanto en su faceta lúdico - privada, como en Queen o en sus proyectos en solitario (el musical Time, su disco en solitario del 85 Mr Bad Guy, o la posterior colaboración con Montserrat Caballé en 1987, son ejemplos de ello). Pero la base de rock and roll e incluso de hard rock es mantenida con esfuerzo por Brian May el guitarrista, y Roger Taylor en la bateria. John Deacon el bajista se mantiene en un discreto segundo plano, ofreciendo una aportación funky mas marcada desde 1980, y con Another One Bite The Dust como máximo ejemplo.
Es en los comienzos de la banda donde encontramos una conexión clara con el hard rock setentero, en obras como Queen I, II y Sheer Heart Attack en 1973 y 1974. El lucimiento personal de Brian May es notable y le lleva a la categoría de guitarrista indispensable, elevándolo al olimpo de los mas grandes de este instrumento. Roger Taylor, por su parte, demuestra una fabulosa pegada y una coordinación absoluta con los continuos vaivenes estilísticos del grupo. Es curioso observar como mas o menos hasta 1980, se repite la fórmula de generosa cesión de Mercury, del apartado vocal para el bateria y el guitarrista en generalmente dos canciones por álbum.
Después de estos primigenios álbumes, con hermosas composiciones vocales, riqueza de sonido, y todavía inmersos dentro del rock al uso e imperante en aquel momento, aparece en 1975 un álbum que definitivamente los catapulta a la fama mundial, A Night at The Opera. La diversificación en el sonido empieza a hacerse mas patente, y hay quién empieza a renegar de ellos, acusándoles de plegarse a la excesiva comercialidad de una especie de cabaret/rock .
El caso es que dejando purismos aparte, este eclécticismo es la marca principal del grupo, y el álbum rebosa calidad por los cuatro costados, con canciones como la alegre Lazing on The Sunday Afternoon, la folkie 39, la mágica e impactante The Prophet Song, o como no la obra maestra del grupo, y una de las piedras angulares en la historia del pop y el rock, Bohemian Rhapsody, una suite dividida en tres partes, una primera melódica, una segunda operística y una final explosiva y roquera. Es sobre todo la parte intermedia, con un trabajo de armonías de opereta, la mas impactante.
Se pueden considerar este y el siguiente, A Day at The Races, como dos discos de transición entre los Queen primigenios, y los modernos Queen. Lo que es seguro es que supone el comienzo de una época gloriosa, tristemente frenada en seco por el fallecimiento de Freddie Mercury en 1991, un cantante inigualable, de una versatilidad absoluta, y cuya muerte todavia retumba en los corazones de todos los amantes de la música. Descanse en paz.
Duras comparaciones las que sufrió este grupo con los Purple a principios de los 70. Se solía afirmar que eran una copia de estos y nada mas lejos de la realidad. Uriah Heep tenía también una personalidad bien definida, si se analiza con profundidad su sonido.
La principal y recurrente comparación se refiere a los teclados, pues bien Uriah comenzaron muy a la vez que los Purple, y la moda del teclado Hammond no era patrimonio de estos últimos en aquellos años. La voz es mucho mas tendente a la melodía en Uriah Heep, con el predominio de un rock progresivo sin agobios y unas características, a la vez que mágicas armonías vocales, que adoptaron en cierto modo bandas posteriores como Queen. En este sentido, la guitarra tiene un papel mucho menos preponderante que en Purple, mas al servicio de la canción en su totalidad y no al del virtuosismo o el lucimiento personal.
Quizá les faltó la chispa, el romper moldes o arrasar en directo como si hicieron sus principales coetáneos, pero se puede decir que atesoraban una gran calidad, aunque no tan recompensada como si fue la de Zeppelin, Purple o Sabbath. Al margen de comparaciones, también tuvieron su pico en gloria y ventas, y aunque no hicieron números espectaculares si fueron muy rentables para su discográfica, sobre todo en el año 1972 y con este álbum que les llevó a tener buenas posiciones en los charts americanos, australianos y europeos (destaca su éxito en Alemania y centro de Europa).
La formación estaba compuesta por el todavía hoy activo Mick Box en la guitarra, sin trazas de superguitarrista pero muy correcto, el gran Ken Hensley en los teclados inundándolo todo con una presencia continua , Gary Thain, bajista fallecido poco después, Lee Kerslake el batería, y como no la voz de David Byron, hermosa, melódica, capaz de falsetes maravillosos, sin alardes, pero con una presencia y carisma que sus sucesores como Lawton o en la actualidad Bernie Shaw no han podido igualar.
Destacables son practicamente todas las canciones de este álbum; la misteriosa Sunrise, la emocionante Rain, la pseudo country Sweet Lorraine o la guasona y divertida Spider Woman hacen de este mi Cd favorito de la banda junto a su siguiente trabajo, Demons and Wizards, constituyendo ambos sus dos obras mas laureadas.
La historia de los Heep llega hasta la actualidad, pero desde que en 1976 Byron dejara la banda ya no volvieron a ser los mismos. Su inmediato sustituto John Lawton hizo una buena labor con Firefly o Fallen Angel en 1977 y 1979 respectivamente, pero fueron perdiendo su magia e idiosincrasia, hasta convertirse en los primeros 80 en una banda con influencias del AOR (Adult Oriented Rock, es decir Hard Rock Melódico al estilo 80s), con pocas ideas y una voz la de Peter Goalby, muy lejos de los matices y la frescura del gran David Byron.
Estos dinosaurios del Rock, iniciaron su andadura en 1968 con Ritchie Blackmore (Guitarra), Rod Evans (Voz), Jon Lord (Teclados), Nick Simper (Bajo) e Ian Paice (batería) y tres discos en su haber, Shades of Deep Purple, The Book of Taliesym y Deep Purple. Pop Rock elegante, muchas versiones y un sencillo de éxito en USA, Hush, constituían poco bagaje para estos británicos que en aquel momento apenas tenían trascendencia en su propio pais.
Ya en su tercer disco con Evans, y en canciones como The Bird Has Flown o The Painter, comienza a vislumbrarse un poco lo que mas adelante mostrarían de una manera mas desarrollada. Técnicamente eran muy correctos, pero no aportaban nada impresionante a un panorama musical todavía dominado por grupos como, The Beatles o Rolling Stones.
Todo esto cambió cuando el resto del grupo, atento al germen del hard rock que ya estaban empezando a resplandecer con las primeras obras de Zeppelin o Sabbath, decide dar un giro y prescindir a finales de 1969 del vocalista Evans y el bajista Simper, para incorporar en su lugar a los ex Episode Six, Ian Gillan y Roger Glover.
El primer golpe de efecto sabiamente planeado por el teclista Jon Lord, fue componer y realizar en Inglaterra un concierto para grupo y orquesta con la Filarmónica de Londres en el Royal Albert Hall, lo que además de satisfacer el sueño de Lord, les proporcionaría publicidad y reconocimiento en las islas, así como la pista libre para despegar con un nuevo disco y esta nueva formación, la mas exitosa y conocida como Mk2. (Los Mark son las diferentes formaciones de Deep Purple).
El título del nuevo disco es un aviso de lo que muestran, nada que ver con lo anterior. La dimensión que les da la voz de Ian Gillan no la tenían con el registro mas pop de Rod Evans.
Rock potente y vertiginoso, un alucinante comienzo con la introducción del teclista Jon Lord en Speed King, la explosión de Blackmore como guitarrista en Flight of the Rat o Hard Lovin Man, y como no la mejor canción de Deep Purple a mi entender, Child in Time, lucimiento absoluto de todos los miembros y en especial del vocalista, cuya exhibición y crescendo en una locura de octavas impensables, hacen de esta pieza algo histórico. La escucha de la canción por los creadores de musicales, Tim Rice y Andrew Lloyd Weber, les hizo sin pestañear contar con Ian Gillan para el papel cantado de Jesus de Nazareth, en el disco original de la ópera rock de ese año 1970, Jesuschrist Superstar.
Como adelanto al disco, lanzan el single Black Night, que alcanza el número 2 en el Reino Unido. Estamos ante una pieza de 3 minutos, con una letra corta, sencilla y de repetitivo estribillo, pero contundente en cuanto a su sección instrumental. En posteriores remasterizaciones viene incluida en el propio LP, junto a curiosos descartes y caras B, como la vertiginosa Cry Free.
La conclusión es que llegan al Top 5 en las Islas Británicas con el álbum, y supuso el comienzo de una leyenda que con muchos altibajos, tensiones y cambios de formación, les ha hecho vender hasta la fecha mas de cien millones de discos en todo el mundo.
