RITCHIE BLACKMORE - EL GENIO OSCURO

Hablar de este increíble guitarrista nos remite directamente a Deep Purple,  el grupo del que fue fundador junto al batería Ian Paice y el teclista Jon Lord. Ahondar en la convulsa historia de este grupo podría resultar repetitiva en este blog, donde ya se ha hablado largo y tendido de ellos. Pretende este artículo dar una visión de su desarrollo en el grupo que creó a su salida de Purple, Rainbow, y de las peculiares características de este hombre amen de su compleja relación con los diferentes músicos que le acompañaron en las diferentes formaciones de ambos grupos.

Hay una cuestión clara con este guitarrista. Es evidente su virtuosismo e inmensa calidad, pero no ha trascendido lo que el y sus fans hubiéramos querido en relación a otros guitarristas que si tienen una posición privilegiada en el olimpo de los mas grandes. Evidentemente no estamos hablando de una personalidad simpatica, extrovertida y gustosa de figurar en medios y actos diversos. Y arrastra un poco el problema que lastró a Deep Purple, por supuesto míticos, mas de cien millones de discos vendidos en todo el mundo, pero sin llegar a entrar entre esos diez grupos que rompieron también al otro lado del Atlántico. Lo lograron los Beatles o Led Zeppelin a pesar de ser británicos, pero Deep Purple se quedó ahí, amagando en 1973 donde si tuvieron un global de ventas importante en América, pero donde no hubo una larga continuación.

Y eso afecta a sus componentes. Si una revista musical alemana realiza una clasificación de los mejores guitarristas de rock de la historia, Blackmore figura entre los 5 primeros sin dudarlo. Si nos remitimos a la insigne Rolling Stone, Blackmore aparece en el puesto 55, y con Kurt Cobain o Lou Reed figurando delante por ejemplo.

Definir una clasificación de los mejores guitarristas es muy complejo y no voy a reivindicar ese puesto de oro para Blackmore, pero si una mayor consideración para un guitarrista que no se si es mejor, pero seguramente no tiene nada que envidiar a sus 54 predecesores. Al final es una cuestión de gustos en muchos casos, pero pensar que Lou Reed es mejor y mas virtuoso instrumentista que Ritchie, produce escalofríos. Dicho todo esto con todo el respeto para Lou Reed o Kurt Cobain, pero si estamos hablando de nivel ejecutorio y de guitarristas no parece muy lógico. Ahora bien si se toman otros parámetros para elaborar listas, pues bueno. De todas formas, no es esta una revista de referencia para el autor del Blog ni mucho menos.

Las influencias de Blackmore son muy definidas. Por un lado la música clásica. Muchos de sus solos son denominados desarrollos neoclásicos, véase o escuchese el solo de Highway Star por ejemplo. Por otro lado el Blues, sin llegar a remitirse a su espectro mas puro como si hizo Jimmy Page de Led Zeppelin, y la música renacentista europea. Influencia esta última totalmente desarrollada en su definitivo proyecto al margen del Rock, Blackmores Night. Controvertido cambio que se ha granjeado la incredulidad de muchos de sus fans, y la comprensión de otros. De todas formas una evolución respetable aunque excesivamente comercial para mi gusto, pero en la que deja muestras de su dominio de la guitarra clásica asi como de otros instrumentos como zanfona o mandolina.

Centrándonos en las características propias de este instrumentista, destacan el dominio de la escala pentatónica y sus antológicas y eternas improvisaciones que le dejan a uno un gusto agridulce, en el que se llega a la reflexión de ... que tienen otros guitarristas mas reconocidos que no tenga este genio.

Otro tema es el carácter que le acompañó siempre. Excesivamente dominante y vanidoso, convivía mal con otros músicos de similar personalidad. Eso pasó en un inicio con el vocalista Ian Gillan en Deep Purple. Dos genios capaces de las mejores improvisaciones, composiciones, y espectaculares duelos en directo , pero que pasaron del amor el odio en poco tiempo, desembocando en la huida del cantante hastiado de tensiones .

Posteriormente en 1973 y cuando los sustitutos de Gillan llegaron y  fueron muy bien recibidos por nuestro protagonista, nadie parecía suponer que la historia se repetiría en 1975, aunque en este caso el que abandona el barco,  y seguramente por sentirse en minoría y ante la deriva funk de la banda, sería Blackmore.

¿Cual es la solución?, pensaría el guitarrista. Pues hacer una banda en la que el fuera el máximo responsable, el amo y señor. De esta manera nace Rainbow.
Los inicios aunque espectaculares en calidad, no trajeron frutos comerciales. Con el tristemente desaparecido cantante Ronnie James Dio  factura tres joyas, ¨ Ritchie Blackmores Rainbow ¨, álbum debut, donde antológicos medios tiempos como ¨ Catch the Rainbow ¨, o ¨ The Temple of The King ¨, se juntan con efectivos riffs como ¨ Still Im Sad ¨. El siguiente álbum ¨ Rising ¨, destaca por su mayor oscuridad, toque que Blackmore sabía impregnar como nadie y mostrándose en densas melodías como ¨ Tarot Woman ¨ o ¨ Stargazer ¨. Por último y en 1978, el grandioso ¨ Long Live To The Rock And Roll ¨ destacando sobre manera la épica y adornada de armonías orientales ¨ Gates of Babylon ¨.

Y después de este disco, se repite la historia. A pesar de crear un grupo a su antojo, esos antojos son personas, con personalidades e inquietudes que tarde o temprano abandonan su docilidad y plantan cara al tirano. Y eso fue lo que paso con el vocalista Dio, así como había pasado con Gillan anteriormente. Pero la fuerza del tirano es muy grande y Ronnie se fue buscando otros rumbos en los que el seguramente tambíén ejerció como tal. 

Quizá en el fondo Blackmore no es o era tan tirano, y todos podemos llegar a serlo en función de las circunstancias, y seguramente esa tiranía era fruto de la búsqueda de la perfección o de nuevos bríos.

Y Blackmore como todos los músicos era puro, pero no tonto, y poderoso caballero es don dinero. La MTV empezaba a tomar importancia y había que llegar al ansiado mercado americano. Y en parte lo logró, con un relativamente exitoso amago con el disco ¨ Down To Earh ¨ de 1979, ya con Graham Bonnet en el apartado vocal,  y gracias a himnos como ¨ Since You Been Gone ¨ y ¨ All Night Long ¨. Pero llegaría la consolidación definitiva con la aparición del americano Joe Lynn Turner como nuevo vocalista en 1981, y dando un giro desde el mas puro Hard Rock británico con tintes mágico medievales, al AOR en vigor por aquel momento, y al que Blackmore sucumbió como tantos otros. Canciones como ¨ I Surrender ¨, ¨ Cant Let You Go ¨ o ¨ Street of Dreams ¨ son muestra de ello.

Pero ni en medio del éxito una banda es eterna. Y en este caso la ruptura no sería por tensiones, ya que la fidelidad y docilidad del joven Turner a su descubridor era inquebrantable, si no por la aparición del fantasma del pasado, fantasma en medio de tentación monetaria y publicitaria. En 1984 se produce el regreso de la formación mas laureada de Deep Purple, el denominado MK2, con Gillan, Lord, Paice, Glover y Blackmore.

Al final esto supone años mas tarde una especie de bucle, con el resurgimiento de problemas, idas y venidas de nuevo, así como la renuncia definitiva de este hombre al mundo del Rock. En 1995 realiza un   último trabajo con su grupo en propiedad por decirlo de alguna manera, Rainbow, denominado ¨Strangers In Us All¨, para ya en 1997 iniciar su aventura renacentista junto a su bella y nueva joven esposa Candice Night.

Un personaje único en la historia de la música rock, y aunque los medios no le hayan dado la merecida importancia, todos saben quien es y todos en el fondo le admiran, admiraban y temían, como cuando unos prematuros Deep Purple telonearon en sus inicios en 1968 a los Cream de Eric Clapton, y este último los expulsó de la gira opacado por la genialidad en sus actuaciones del hombre de negro.

Actualmente y con su sorprendente giro musical es quizás un golpe en la mesa el que nos ha dado este genio, siempre a contracorriente de lo que se espera de el. Pero lo que es innegable es su amor por la música, y que alguien como el puede hacer lo que le de la gana.. Al fin y al cabo que demonios, es Ritchie Blackmore.

QUEEN - (Primera época - 1973 a 1980)

No podía este Blog dejar en el olvido a este decisivo y controvertido grupo. Una única formación y 13 discos de estudio, con  Freddie Mercury en la voz, Brian May en la guitarra, Roger Taylor a la batería y John Deacon al bajo. Se suele dividir la historia de esta banda en dos épocas bien diferenciadas y características.

La primera corresponde a la década de los setenta, y es sobre la que versará este artículo. La segunda que abarca la siguiente década hasta 1991, y seguramente en su mayor parte la mas conocida, debido sobre todo a antológicos vídeo clips, como los correspondientes a ¨ I Want To Break Free¨ , ¨ Radio Ga Ga¨,   ¨Friends Will Be Friends¨ o ¨ I Want It All ¨, por citar algunos . Fue la época clásica de los vídeos promocionales en cadenas emergentes como la MTV, y de la que Queen sacó partida, con unas muy originales muestras.

Pero vamos a centrar este post en los inicios y consolidación del grupo hasta 1980, frontera entre los Queen primigenios, y los Queen modernos.

Comienzan su andadura discográfica en 1973 con el LP  ¨Queen¨, un disco con una base hard rock clásica, y con las lógicas influencias de grupos como Led Zeppelin, con quienes en un principio sufrieron terribles comparaciones por la despiadada crítica, o en su apartado armónico y coral de otros como Uriah Heep. Las clásicas armonías vocales del grupo, sobre todo en sus inicios tienen aquí una gran fuente de inspiración. Destacan de este primer trabajo canciones como su primera entrada en listas, ¨ Keep Yourself Alive¨,  ¨ Liar¨ o ¨ Doing Alright¨.

En 1974 continúan con Queen II y prosiguen una línea similar, algo mas endurecida si cabe, con canciones como ¨Ogre Battle¨, introducen un mayor barroquismo y complejidad en sus temas como en el caso de ¨The Fairy Fellers Master Stroke¨, pero siguen confundidos en el océano hard rock de la época sin poder diferenciarse y destacar demasiado.

En ese mismo año, aparece su tercer trabajo, ¨Sheer Heart Attack¨ y algo empieza a cambiar, mantienen muchos aspectos de sus dos primeros discos, pero la impronta Mercury comienza a tomar fuerza, introduciendo adornos y madurez compositiva, que les hace adquirir personalidad. Prosigue el dentelleo de la crítica, pero las ventas toman un serio cariz principalmente en el Reino Unido.

Es este disco una joya tanto vocal como instrumental. Arrinconan la bisoñez de los inicios y nos regalan los oídos con perlas como ¨ Brighton Rock¨ , ¨ Killer Queen¨ , o ¨ Now Im Here¨ un clásico de sus directos.

En definitiva este disco y sobre todo el siguiente ¨ ANight At The Opera¨, marcan un antes y un después en la banda. En el caso de este último disco, me remito al artículo a el dedicado anteriormente en este blog.

Damos un salto hasta 1976, y concretamente hasta el disco ¨ A Day At The Races¨. Es este disco una continuación clara del anterior, que se refleja tanto en la estructura, como en la estética que acompaña a su presentación de la portada.

Es un trabajo notable, donde Freddie y compañía se dejan atrás cualquier tipo de encorsetamiento, y comienzan a jugar libremente en una mezcla de hard rock, lirismo, opereta y pop. Desde ¨A Night At the Opera¨ y durante la gira de este último cambian también ligeramente su estética, abandonando el aspecto mas típicamente rockero de comienzos de los 70, por uno mas cercano al glam, sobre todo en el caso de un Mercury con mallas de ballet, pecho descubierto, y acompañado de Brian con unas espectaculares capas con alerones. Su indumentaria y aspecto es fruto de la época y variaría en función de las modas hasta la típica imagen mas sobria de los años 80.

Retomando este fabuloso disco de 1976, cabe destacar canciones como la dura ¨ Tie Your Mother Down¨, la ensoñadora ¨ You Take My Breath Away¨, la festivo cabaretera  ¨Good Old Fashion Lover Boy¨ o la fusión entre el rock, los jugueteos operístico - soprano de Mercury y la cadencia vals en ¨ The Millionare Waltz¨.

Nos adentramos en el año 1977, con el álbum ¨ News Of The World ¨ y es a partir de este LP, cuando se produce una evolución mas cercana a los Queen modernos. Abandonan la complejidad de las composiciones y sus coqueteos barroco operísticos mezclados con rock, y continúan con este último estilo, uniéndolo cada vez mas a elementos pop o funkies, dejando a un lado la excesiva ornamentación anterior.

Supone además su gran salto comercial, logrando el número uno en USA, y el comienzo de sus característicos himnos, con canciones como ¨ We Will Rock You¨ o la eternamente utilizada en cualquier acontecimiento deportivo que se precie ¨ We Are The Champions¨ . Destacan también en este álbum canciones como ¨Spread Your Wings¨, los ritmos latinos de ¨ Who Needs You¨, o la bluesera exhibición piano/voz de Freddie en ¨ My Melancholy Blues¨.

Llegamos a 1978, y prosiguen su éxito comercial con el siguiente LP denominado ¨ Jazz¨ . El título puede llevar a engaño al profano que se acerque a el. Ningún guiño a este género musical se vislumbra en la obra. Siguen moviéndose en el ecléctico abanico de rock y pop, con canciones como la que abre el álbum con sus toques arábigo orientales ¨ Mustapha¨ , la pseudo country y guasona ¨ Fat Bottomed Girls¨ o la rica en armonías y coros ¨ Bycicle Race¨ . Esta última canción es apoyada por un polémico promo vídeo censurado en USA,  y en el que aparece un grupo de mujeres desnudas en bicicleta.

Y es este aspecto, el de los vídeos promocionales, un punto importante en este grupo. En esta primera etapa, comienzan ya a hacer uso de ellos para publicitar sus discos, y comienzan con el considerado primer vídeo clip de la historia ¨ Bohemian Rhapsody¨ para continuar con otros como ¨ Somebody To Love¨ o ¨ We Will Rock You¨. Todos ellos con un primitivo formato, basados en simulaciones de directos, exteriores en un parque o interiores con pobres decorados. Lógico para la época de todos modos.

Roger , Brian, John, y fin de la primera época.

Hacemos un impass en este análisis de la primera época de Queen, para analizar brevemente el papel desarrollado por el resto de miembros del grupo.

Es evidente la importancia y carisma de Freddie en el grupo. Era el alma, y el máximo protagonista gracias a su exhuberante actitud y su poderío vocal, capaz de alcanzar múltiples registros y estilos.

El batería Roger Taylor y el guitarrista Brian May, aportan un equilibrio que compensa los vaivenes juguetones y estilísticos de Freddie. Mantienen cierto orden y una base rock, que les lleva a mantener el prestigio entre las grandes bandas coetáneas, así como una importante técnica instrumental, convirtiendo a Brian en un clásico Guitar Hero.

Y además cantan. Desde el primer disco y hasta 1980, interpretan ambos una canción por álbum. Generosa cesión por parte de Mercury. Canciones como ¨ The Loser In The End ¨ , ¨ Tenement Funster ¨ o ¨ Fun It ¨ por parte de Taylor de marcado carácter roquero, y temas como ¨ 39 ¨, ¨ She Makes Me¨ o ¨ Sail Away Sweet Sister¨ por parte de May, en su caso mas melódicas, son muestras de ello.

Roger Taylor es quién además desarrolla una carrera mas amplia en solitario, aunque sin excesivo éxito, pero que abarca desde 1977 con el single ¨ I Wanna Testify¨, hasta discos como ¨ Fun In Space¨ de 1981,  la creación del grupo The Cross en 1987 - con quienes sacaría 3 discos - o el muy correcto álbum de nuevo en solitario, ¨ Happines¨ de 1994.

La carrera en solitario de Brian es menos prolífica. Durante la época Queen, solo un EP en 1983 ¨ Star Fleet Project ¨, con la colaboración de Eddie Van Halen. Ya en 1992, y una vez finalizado el periplo Queen con la desgraciada muerte de Mercury un año antes, realiza el disco ¨ Back To The Light¨, el cual desprende un acusado  aroma hard rock, gracias entre otros a la decisiva colaboración del también tristemente fallecido ex batería de Rainbow y Whitesnake, Cozy Powell.

El caso del bajista John Deacon, es menos llamativo en este aspecto, aunque en el compositivo cabe destacar que algunos de los mayores éxitos de Queen son obras suya como ¨ You are My best Friend ¨, o ¨ Another Ones Bites The Dust ¨, aportando en su caso un aire mas pop y funky al grupo.

Es importante destacar el papel del resto de miembros de la banda. La personalidad de Queen abarca mas allá que el innegable protagonismo de Freddie, y este además lo sabía ya que tampoco se prodigó en solitario demasiado. Un disco en 1985 ¨ Mr Bad Guy¨ que alcanzó el número 5 en las islas, y un LP en colaboración con la soprano española Montserrat Caballé en 1987 son su bagaje, pero ambas muestras quedan lejos de la repercusión y la calidad alcanzada con sus compañeros.

Pues bien, retomando el final de esta primera época, nos trasladamos al año 1979, y destacamos aquí su primer disco oficial en directo publicado, se trata del antológico ¨ Live Killers¨ . No excesivamente bien producido, y con un sonido francamente mejorable, nos deja de todas formas una buena muestra de la voz de Freddie en su mejor momento, y con una notable exhibición instrumental a cargo de Brian y Roger.

Y llegamos al año 1980, y al disco ¨ The Game¨ . Se produce con este trabajo un curioso detalle, consiguen su mayor éxito en USA, con una entrada directa al número uno, tanto a nivel del álbum, como de dos de sus singles, la archiconocida pieza funk, escrita por el discreto pero efectivo bajista John Deacon, ¨Another One Bites The Dust ¨ , y la rockabilly ¨ Crazy Little Thing Called Love ¨. Pero a partir de aqui prácticamente se produce su final comercial en este territorio, sin saberse o entenderse por nadie muy bien las razones. Hay varias interpretaciones, pero seguramente la moral americana chocaba en demasía con la de un grupo que era capaz de salir travestido en un vídeo clip, o con la de un cantante que jugaba con la provocación y la ambiguedad. Es una opinión personal, y evidentemente las causas serían mas complejas.

Cabe destacar otro importante cambio que se da en el LP, y es la entrada por primera vez de sintetizadores en una de sus obras, de cuya ausencia se jactaban en los créditos de sus anteriores discos, y que indica ya una conexión clara con su siguiente etapa. Y es importante reseñar que a partir de este momento la apariencia de Freddie, adquiere su formato mas clásico con el pelo corto y su famoso bigote, imagen que el asimilaría a la de un camarero español de la época, según sus propias palabras, haciendo gala de su ácido y provocativo humor.

Salvo la muestra de funk rock de ¨ Dragon Attack¨ o la aportación de Taylor con ¨ Rock It ¨, el apartado mas pop va ganando la partida, y se muestra en la mayor parte del álbum, con ejemplos como ¨ Dont Try Suicide¨ o ¨ Need Your Loving Tonight ¨.

Y ya por último, también en 1980 destacar el primer acercamiento del grupo con las bandas sonoras. En este caso se encargarían de la correspondiente a la película de ciencia ficción ¨ Flash¨ . No es especialmente destacable esta banda sonora, en su mayor parte instrumental, salvo la canción que da título al film o ¨ The Hero¨.

Posteriormente y ya su segundo acercamiento al apartado musical del séptimo arte, realizan la banda sonora de ¨ Los Inmortales¨ cuyas canciones incluirían en el álbum ¨ A Kind Of Magic¨ de 1986, y conseguirían un mayor reconocimiento gracias sobre todo a joyas, como ¨ Who Wants To Live For Ever ¨ o ¨ One Year Of  Love ¨ .

Pues aquí finaliza el análisis de los inicios y la consolidación de Queen. Lo que después llegaría; sus fantásticos vídeos, la impresionante y última gira de 1986, o el desgraciado fallecimiento de Freddie víctima del sida en 1991, es ya otra historia.....

DAVID COVERDALE - (La Serpiente Púrpura)

 

Nos encontramos ante uno de los mas grandes vocalistas de rock de todos los tiempos. Y seguramente de entre los viejos dinosaurios que siguen en activo, el que mantiene en la actualidad, un nivel mas notable en cuanto a capacidad y poder vocal.

Cerca de cumplir los 60 años, este cantante británico atesora una larga, apasionante y fructífera  carrera, no exenta de momentos difíciles y periodos de inactividad.

Sus inicios arrancan a finales de los años 60, y principios de los 70, en grupos como The Goverments, deambulando entre el rock, el blues y el soul, sin demasiado éxito

Pero todo cambia, para este joven cantante de locales y tabernas varias, en el año 1973. Y seguramente se trataría de un cambio no exento de suerte, para la poca madurez que David atesoraba todavía en aquellos inicios.

La cuestión es que en ese instante tenía una calidad que se podía considerar suficiente, pero bien es cierto que estuvo en el momento adecuado y en el lugar exacto, además de demostrar una actitud valiente y osada para una cantante prácticamente amateur.

Pues bien, corría el año 1973, y en Deep Purple una de las bandas mas importantes en ese momento en todo el panorama musical, se produce un duro golpe. Ian Gillan, su afamado vocalista anuncia que abandona el grupo. Manos a la obra, el teclista Jon Lord y el guitarrista Ritchie Blackmore se disponen a arreglar tan importante contratiempo, y comienzan a realizar audiciones.

Blackmore, satisfecho con la marcha de Ian, debido a la imposible convivencia entre ambos desde 1972 mas o menos, nunca logró la satisfacción completa con sus cantantes, siempre deseaba el timbre o la tonalidad que en ese momento no tenía, y cuando la tenía echaba de menos al anterior. Eran las extrañezas de un genio, y que explican las cantidad de diferentes cantantes que tuvo en sus dos proyectos mas relevantes, Deep Purple y Rainbow.

Pues bien, este era el momento de buscar un cantante que se adecuara a las exigencias del guitarrista. Blackmore, sentía gran admiración por las voces con matices blues, e intentó en un primer momento atraer al circo púrpura al cantante de Bad Company, Paul Rodgers, pero no fue posible. Así que en un primer momento, el único elegido fue un bajista y vocalista llamado, Glenn Hughes.

Este increíble cantante aportaba un frescura inaudita al grupo, gracias a sus aportes soul, funky, además de conseguir llegar a la potencia vocal de Ian Gillan, con lo que el grupo parecía que iba a convertirse en un cuarteto con un bajista/vocalista en sus filas.

Pero Blackmore necesitaba mas, suspiraba por una voz grave y mas cercana al blues, así que un buen día, les llegó una roñosa cinta con una muestra de un desconocido cantante.

A pesar de tratarse de una grabación bastante deficiente en cuanto a calidad de sonido, Lord vio algo que le llamó poderosamente la atención y le llevo la muestra a Ritchie. Tras varios ensayos, David Coverdale se convirtió en el frontman principal compartiendo voces con Glenn Hughes, e iniciando una nueva y también exitosa época para los Purple.

La combinación entre ambas voces, les dio en esta etapa denominada MKIII, una nuevo impulso y amplió su hasta entonces ya ecléctico legado. Pero es justo reseñar, que David todavía se mostraba un poco inseguro, y no tenía aún muy desarrollada su impresionante voz, abusando de una tonalidad grave que en ocasiones se tornaba ligeramente pastosa.

Aún así, y con la inestimable ayuda de Hughes a nivel vocal y Blackmore con quien compartió tareas compositivas, esta formación se destapa con dos obras maestras como ¨ Burn¨ y ¨ Stormbringer¨ en 1974. Canciones como ¨Mistreated¨ o ¨ Sail Away¨ en el primer disco de este Mark III, van dando una muestra de lo que Coverdale tenia guardado en su voz, y que mostraría años después de una manera mas firme.

En estos álbumes el grupo había logrado mantener el status conseguido en la época Gillan, pero la deriva funk del segundo disco, hace que Blackmore abandone el barco para comenzar a fraguar a los también históricos Rainbow.

La marcha del guitarrista, produce un mayor protagonismo de Hughes y Coverdale, lo que supone un aumento de la autoestima y seguridad de este último. Este aspecto, se ve acentuado en el siguiente LP, ya con el americano Tommy Bolin, sustituyendo a Blackmore en la guitarra, y facturando un disco mas que aceptable, donde la mezcla soul, funky y rock, se nota en mayor medida, y la combinación de dos voces se destaca en el corte ¨ You Keep On Moving¨ de una manera sublime.

Desgraciadamente, este disco supuso un bajón de ventas, que se unía a una fuerte inestabilidad producida por la adicción a las drogas de Hughes y el guitarrista Bolin. Todo esto, unido a que los dos miembros originales que quedaban, Lord (teclados) y Paice (batería), comenzaban a sentirse desmotivados para continuar, conduce a la disolución de Deep Purple en 1976.

Todo este periodo, supuso una gran piedra de toque para David. Pasar de ser un desconocido cantante, a ser la cabeza visible de un grupo como los Purple, le inoculó la suficiente experiencia para poder volar por si solo. Y en efecto no tardó en hacerlo.

En ese mismo año y en 1977, publica dos discos en solitario, ¨David Coverdale Whitesnake¨, y ¨Northwinds¨. Estos discos, supondrían el germen de los posteriores Whitesnake, y la muestra de hard rock blues que ambos LPs destilan, rompe con el encorsetamiento soul que había compartido con Hughes en Deep Purple. Aqui es David quien lleva las riendas, y nos entrega elegantes muestras de rock con mayúsculas, con canciones como ¨ Only my Soul ¨ o  ¨ Time and Again¨.

En 1978, aparece el primer álbum ya con el nombre de Whitesnake, y con los guitarristas Micky Moody y Bernie Marsden, el bajista Neil Murray, David Dowle en la batería y su ex compañero Jon Lord en los teclados. Se denomina este disco, ¨Trouble¨, y ya nos regala clásicos de la banda, como la canción que da nombre al LP, o la vibrante y aún hoy interpretada en directo ¨ Take me With You¨.

En los dos siguientes años, salen a la luz, ¨ Love Hunter¨ y  ¨Ready and Willing¨ , y en este último disco se sube al barco otro ex Purple, el batería Ian Paice, con lo que esta formación bien podría haber sido un Mark mas de los Purple, si no fuera por su sonido mas bluesy y con menos predominio de los teclados.

El ascenso a nivel de ventas es cada vez mas palpable, sobre todo con sus siguientes obras ¨ Come and Get It ¨ , o ¨ Saints and Sinners¨ en 1981 y 1982. En esta época (1978 - 1983) se gestan los mas genuinos Whitesnake, con clásicos como ¨ Dont Break My Heart Again ¨, o ¨ Walking In The Shadow Of The Blues ¨.

Estaban en lo mas alto, en las listas británicas y europeas, encabezaban los grandes festivales rock del momento, pero faltaba el salto al mercado americano donde practicamente no existían. Es por eso que se produce un importantísimo cambio de timón entre 1983 y 1984 con la salida del LP ¨Slide It In¨.

Es este un momento clave cuyas peculiaridades son analizadas de una manera detallada, en el artículo dedicado al disco y a este periodo en el blog. Me remito a dicho artículo para no resultar repetitivo y salto unos años hasta llegar a 1986.

Pues bien, ¨ Slide it In ¨, supuso un cambio en el sonido y en la estética del grupo con la entrada de Neil Murray en el bajo y John Sykes en la guitarra. Lo cual implicó la anhelada entrada en el mercado americano, con lo que esto suponía. Así que la maquinaria debía continuar, y en 1985 comienza a elaborarse con los músicos anteriormente mencionados y Aynsley Dunbar en la batería, el siguiente disco, denominado  ¨ 1987 ¨.

Un disco ambicioso, y muy influenciado por el AOR ochentero que estaba en vigor. Pierden un poco el añejo sonido del blues rock británico de sus primeras obras, para americanizarse según muchos críticos, pero el éxito es indudable y logran consolidar las posición de su anterior disco en USA, para ya con este arrasar di rectamente en el Billboard americano.

Impecable servicio de marketing, apoyado por una imagen muy en voga en aquellos años de melenas cardadas y rostros maquillados, y como no, por tres vídeo clips antológicos de los principales singles del disco, ¨ Is This Love¨, que alcanzó el número dos en USA,  ¨Still Of The Night ¨, y ¨ Here I Go Again¨ , que llegó al número 1.

A pesar del éxito, la banda comienza una escalada de cambios de formación, nada mas acabar de grabar el LP. Murray, Sykes y Dunbar, dejan el grupo y no llegan ni a grabar los vídeos, en los que aparecen los nuevos miembros, Adrian Vandenberg y Vivian Campbell en las guitarras, y Tommy Aldridge en la batería.

Es curioso verlos a ellos, sobre las pistas de guitarra originales de Sykes por ejemplo, pero ya serían estos últimos músicos los que saldrían de gira, para promocionar el álbum.

Discos multiplatino y giras mastodónticas, llevan a la discográfica EMI, a presionar para un nuevo disco bajo parecidas premisas, y se ponen manos a la obra.

Coverdale y el guitarrista Adrian Vandenberg, comienzan a componer las canciones de lo que sería el siguiente álbum, ¨Slip Of The Tongue¨ , de 1989, y aunque un contratiempo impide a Vandenberg grabar el álbum, se toma una rápida y efectiva solución, y es el reclutar para el proceso de grabación de las canciones ya previamente compuestas, al virtuoso, y muy exitoso guitarrista americano Steve Vai.

La combinación parecía ser decisiva, con un desliegue publicitario monumental, y nuevos y costosos vídeo clips de la reversionada ¨ Fool For Your Loving¨ original de 1982 , o de la melodiosa y a la vez contundente por momentos ¨ Now You are Gone ¨

Sin embargo, no son estos suficientes mimbres para igualar el éxito masivo del anterior álbum, y aunque las ventas son espectaculares igualmente, se produce una ligera sensación agridulce en los medios musicales, y en el propio David.

La gira se realiza eso si, con muy buena acogida por parte del público, con Steve Vai y el ya recuperado Adrian Vandenberg en las guitarras, formando una dupla espectacular.  Una vez finalizada esta, David decide poner fin temporalmente al grupo, a causa seguramente del cansancio y de problemas personales, entre estos la ruptura con la preciosa modelo Tawny Kitaen, la cual aparece como protagonista en los vídeos promocionales de estos dos y exitosos últimos discos.

Cabe destacar por estas fechas la curiosa colaboración de David, en la banda sonora de la película ¨ Days Of Thunder ¨ con Tom Cruise como protagonista, e interpretando la impresionante  ¨ The Last Note Of Freedom ¨.

Se produce un silencio de varios años, y el fin del éxito masivo de Coverdale con sus ¨ Whitesnake ¨, un éxito cuestionado por algunos medios, por las concesiones que David tuvo que hacer para lograr entrar en el ansiado mercado americano.

Discutible o no la americanización del grupo, la eliminación de los teclados para compensar, y quizá saturar en demasía con las guitarras, o la excesiva comercialización de algunos de sus singles, no pueden ensombrecer la calidad, y el continuo crecimiento vocal de este personaje, que al contrario de sus coetáneos, parece cantar mejor a medida que pasan los años.

Pero este silencio no sería muy largo, y tampoco supondría el final total del éxito a nivel de ventas. En 1993 se produce un shock en el panorama musical, y es que Coverdale se une al ex guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page, para realizar un disco antológico.

Hard Rock potente sin concesiones a la galería, densas composiciones y solo una balada, hacen que vuelva a la primera plana, con una mas que aceptable repercusión a nivel mundial. Canciones como ¨ Pride and Joy ¨ o  ¨ Feeling Hot ¨, son buena muestra de ello.

Al disco, como no, le acompaña una gira, en la que David además de las canciones del álbum, interpreta viejas canciones de los Snake, y canciones de Led Zeppelin, lo que incita a múltiples especulaciones y a una agria polémica con Robert Plant, el mítico y único hasta la fecha vocalista zeppeliano.

Esta curiosa y única colaboración entre un ex Purple y un ex Zeppelin, se acabó con la exitosa gira eléctrico/acústica que Plant y Page comenzaron para la MTV en 1994, con una especie de regreso del histórico dirigible, pero sin John Paul Jones en el bajo, para eso si, acallar de esta manera todos los rumores, que situaban a David como nuevo vocalista, y artífice del regreso por fin de Led Zeppelin.

Después de otro periodo detrás de bambalinas, en 1997 Coverdale vuelve a la carga, y junto al guitarrista Adrian Vandenberg, edita un disco, ¨ Restless Heart ¨.

La intención del cantante era que saliera como disco en solitario,  pero las presiones de la discográfica, hicieron que tuviera que sair bajo el nombre de David Coverdale Whitesnake.

Es este un álbum, de un nivel muy alto, mas intimista y menos sobrecargado que sus exitosas obras de finales de los 80, y que recuerda por momentos a los Whitesnake de los primeros años, pero con un sonido mas actualizado.

Desgraciadamente y a pesar de las exigencias para impedir que David lo sacara como un disco con su nombre, en pro teóricamente, de un buen trabajo de marketing, el disco pasó prácticamente desapercibido para el público. Y es una pena, ya que canciones como  ¨ Dont Fade Away ¨ o  ¨ Too Many Tears ¨ son auténticas joyas, y están acompañadas de unos video clips muy aconsejables.

Poco después, Adrian y Coverdale, editan un precioso acústico en Japón, denominado  ¨ Starkers in Tokyo ¨, donde nos deleitan con una pequeña muestra de la carrera de David, con el único despliegue de la voz del cantante y la acústica de Vandenberg.

Tras otros dos años de silencio, David haciendo caso omiso a la casa de discos, edita en el año 2000 un disco denominado ¨ Into The Light ¨,  pero únicamente bajo su nombre, y sin la marca Whitesnake. 

Este disco supone una continuación lógica de  ¨ Restless Heart ¨ y nos encontramos ante una estructura parecida con canciones como  ¨ Love Is Blind ¨ o  ¨ Slave ¨ , alternando blues, baladas y piezas mas roqueras, imprimiéndole un nivel vocal notable y dándole un toque muy personal, y mas optimista que el anterior trabajo. Tampoco e inexplicablemente, este disco tuvo ninguna difusión, y parecía el fin profesional y definitivo de este gran cantante.

Pero llega el año 2003 y a David, se le propone realizar una gira bajo el nombre de Whitesnake, conmemorando el 25 aniversario de la banda. Para ello recupera a un viejo conocido de la época del álbum multiventas  ¨ 1987 ¨,  el batería Tommy Aldridge, y se hace con los servicios de un joven guitarrista americano, Dough Aldrich,  anteriomente en las filas del gran cantante y tristemente desaparecido, Ronnie James Dio.

Este guitarrista le da una nueva dimensión a los clásicos de la banda, y aunque para mi gusto los sobrecarga demasiado, con el excesivo protagonismo de sus arreglos de guitarra, no se le puede negar su calidad.

Pues bien, parece que el éxito de la gira supone cierto resurgir del grupo y en 2008, cinco años después del comienzo de esta, sale a la luz un nuevo disco de estudio ¨ Good To be Bad ¨, once años después del ya lejano ¨ Restless Heart ¨ y ya recientemente en 2011 su última obra hasta el momento  ¨ Forevermore ¨.

Pues bien, la serpiente blanca sigue coleando bajo el liderazgo de su creador David Coverdale, y parece que con relativo éxito.

Algunos fans, son y fueron algo reacios al cambio que se produjo en el sonido, y la estética de la banda a finales de los 80s, y que resurge de nuevo, con el regreso como Whitesnake en 2008, de una manera menos comercial y algo mas contundente en cuanto al endurecimiento del sonido.

Pero bueno, esto como siempre es ya cuestión de gustos, y bien sea en Deep Purple, en los añejos Whitesnake, en los posteriores, o en su valioso y personal muestrario en solitario, lo que es innegable es el gran legado que a lo largo de casi 40 años, este gran cantante nos ha dejado.

LED ZEPPELIN - La indispensable cuadrilogía - (1968 - 1971)

Procedente de los Yardbirds, el guitarrista Jimmy Page se une a Robert Plant (vocalista), John Paul Jones (bajo y teclados ocasionales) y John Bonham (batería), para formar un grupo que inicialmente se llamaría The New Yardbirds, posteriormente Lead Zeppelin, para finalmente establecerse en la leyenda como Led Zeppelin ,no sin encontrarse en problemas con la mismísima baronesa descendiente del inventor del dirigible, por el uso del apellido.

Con una influencia del blues muy marcada, pero dándole a las canciones un dimensión inusual hasta entonces con el poder vocal de Plant, y la crudeza y experimentalidad de la guitarra de Page, consiguen en su primera gira americana un gran éxito de crítica y desde su primera obra en 1968, logran innumerables números uno, tanto en Europa como en el mercado americano. 

Su primer disco (I) arranca de manera contundente y gamberra con ¨Good Times Bad Times¨, continúa con la bluesística pero desgarradora ¨You Shook Me¨ - donde Plant hace un alarde de voz impresionante al imitar los sonidos de Page con su garganta - y nos regala la dulce, hippie y evocadora ¨Babe Im Gonna Leave You¨, entre otras.

Canciones como estas, muestran ya en todo su esplendor, a una banda en sus mas genuinos inicios.

Si el arranque fue impetuoso y sorprendente, la consolidación definitiva no se hizo esperar, y llegó con su segundo trabajo, denominado (II).

En este LP, de muy parecidas características al primero, la marcada influencia del blues deja una abertura un poco mas amplia a endemoniados riffs, que sentarían junto a las muestras de otros grupos coetáneos, las bases del hard Rock mas clásico, y del posterior heavy Rock.

La muestra mas clara sería ¨Whole Lotta Love¨ uno de los himnos por excelencia de la banda, donde un poderoso y repetitivo riff de guitarra a cargo de Jimmy Page, se enreda de forma orgiástica con el lamento y los gemidos de Robert Plant. Este adjetivo puede parecer gratuito y facilón, pero es facilmente explicable, con la escucha de la parte central de la canción, para todo aquel que no tenga el placer de haberla oído.

Canciones de una similar estructura como ¨Ramble On¨, o ¨Heartbreaker¨, se unen a otras de tono mas similar al blues rock de su primera obra, como ¨Bring It On Home¨.

Otro aspecto, muy destacable y característico de Led Zeppelin, es el aroma folk, con el que adornan sobre todo sus primeras y primordiales obras. Y es precisamente su tercer disco (III), ya en 1970, donde se produce un cambio de timón importante que a muchos fans de la banda les produciría cierta confusión.

Comienza este tercer álbum con una corta pero vibrante ¨Inmigrant Song¨, que no da pistas sobre lo que el resto del LP nos depara, y es que a partir de el segundo corte ¨Friends¨. la fiereza rock, va dejando paso a melodías con acentuada influencia folkie, como la preciosa y bucólica ¨Thats The Way¨, o la tradicional ¨Gallows Pole¨. Como no, el toque blues no es abandonado a su suerte y se muestra en todo su esplendor con la impresionante ¨Since Ive Been Loving You¨.

A pesar de la confusión, el disco sigue el rastro triunfante de sus predecesores, y da la suficiente confianza al grupo, para jugar precisamente con esa variedad, y producir incertidumbre en los fans, a la hora de afrontar y escuchar las siguientes obras.

Y esta no se hace esperar, nos encontramos en el año 1971, y aparece su cuarto disco, que rompe con la costumbre de denominar simplemente con cifras los discos anteriores, para en este caso no poner ningún título al LP, y simplemente mostrarnos en su portada, a un anciano portando leña. ¿Exceso de confianza?, ¿delirios de grandeza?, ¿misticismo a cargo del guitarrista Jimmy Page, aficionado a lo oculto y al simbolismo?, ¿o ruptura con las reglas del marketing?. Eso nunca se sabrá, lo que si es cierto, es que la calidad de la obra les da una dimensión nueva, y les coloca como una de las bandas mas importantes del planeta en ese momento. 

En este disco encontramos una amalgama de todo lo recibido en los anteriores, hard rock potente con ¨Black Dog¨ o ¨Rock and Roll¨, Folk campestre y evocador con ¨Going To California¨ y una mezcla de ambos en la suite mas famosa de la banda ¨Stairway To Heaven¨.

El éxito de la banda se dispara, los excesos y las leyendas también, pero el caso es que en estas cuatro primeras muestras se cimenta todo lo que el grupo acabaría siendo. Y aunque su ascensión continuaría hasta 1980 con la muerte del batería John Bonham, la magia ya no sería la misma, con discos como el de nuevo sorprendente e inesperado ¨Houses of The Holy¨, el impresionante, aunque excesivo en cuanto a contenido y duración ¨Phisycal Graffiti¨ de 1975, o los ya decepcionantes, ¨Presence¨ e ¨In Through The Out Door¨ de 1976 y 1979 respectivamente.

En definitiva, como casi todo en la vida, el análisis y las particularidades de este grupo darían para mucho mas, incluso a partir de esta segunda etapa. Pero con las pinceladas que nos muestran Plant y compañía en la cuadrilogía analizada en este articulo, nos podemos hacer una idea de las dimensiones que estos cuatro músicos alcanzaron con sus composiciones.

VAN HALEN - (David Lee Roth vs Sammy Hagar)

Es una constante en las bandas de Rock Clásico, la eterna discusión acerca de la formación ideal. Algunas bandas sobrevivieron a las tensiones y se mantuvieron con una formación sólida, como el caso de Led Zeppelin. Otras sufrieron movimientos convulsos en sus integrantes, teniendo que llegarse a unas denominaciones específicas para sus diferentes line ups, como el caso de los Purple y sus famosos Marks ( Mark II con Gillan y Glover, Mark III con Coverdale y Hughes.. etc).

Sin embargo otras bandas como Van Halen, simplemente dividen su trayectoria en 2 épocas caracterizadas por el único cambio en la parte vocal, la primera con David Lee Roth y la segunda con Sammy Hagar, exceptuando un mínimo paréntesis con el ex cantante de Extreme, Gary Cherone, perfectamente olvidable.

En este artículo vamos a tratar precisamente, la trayectoria de Van Halen, poniendo el énfasis en su primera y mítica época con Roth.

Nos encontramos ante una banda de hard rock formada por los hermanos Eddie y Alex Van Halen, guitarrista y batería de origen holandés pero nacidos en USA, Michael Anthony en el bajo y los también americanos David Lee Roth y Sammy Hagar como cantantes en sus dos diferentes etapas.

La primera formación nace con David en tareas vocales, y se remonta a 1974 cuando en sus inicios tuvieron diferentes denominaciones - entre ellas Mammoth - para posteriormente y ya acercándonos a 1978 pasar a adoptar la denominación de Van Halen como nombre del grupo.

Sale a la venta el primer disco con la multinacional Warner en ese mismo año, y ya se disparan en las listas de ventas americanas. El éxito radica primordialmente en la impresionante técnica de Eddie, al introducir elementos muy innovadores, siendo capaz de tocar con ambas manos en el mástil de la guitarra desarrollando una gama de notas y sinfonías muy efectivas.
A esta técnica del guitarrista, hay que añadir el carisma (especialmente entre las féminas) de David Lee Roth, que sin ser un gran virtuoso a nivel vocal, cumple correctamente y le da un toque menos sofisticado pero si mas gamberro y excitante que su sustituto posterior Sammy Hagar. 

Cabe  destacar que aunque una mayor parte de los fans de la banda prefiere a David, otros no soportan su excesivo divismo, protagonismo y una actitud por momentos en exceso glamurosa, aunque no exenta de gracia bajo mi humilde punto de vista.

Pues bien, a canciones como la instrumental Eruption o la vibrante Runnig With The Devil en este primer disco, le sigue otro para mi no tan inspirado, que es el disco denominado Van Halen II, que si bien tiene tirón comercial gracias sobre todo al single Dance The Night Away, adolece de la fuerza del que le precede.

Se encuentran ya en unas considerables cotas de popularidad en Europa y sobre todo Estados Unidos, por lo que hay que seguir exprimiendo el filón, y nuevos discos salen a la luz durante los años 1980 y 1981, como Women and Children First y Fair Warning. En 1982 se produce un bajón en la creatividad de estos músicos con la aparición del disco Diver Down, una especie de refrito de viejos éxitos de antiguas leyendas del Rock, con canciones como las archiconocidas Pretty Woman de Roy Orbison o Dancing In The Steet original de Martha and the Vandellas y versioneada tambien posteriormente por David Bowie y Mick Jagger.

Aún así mantuvieron el tipo en cuanto a ventas, logrando unos mas que aceptables resultados. Como nota curiosa cabe destacar la colaboración de Eddie en el solo de guitarra que aparece en la canción Beat It, del multimillonario disco Thriller de Michael Jackson, en 1983.

Es en 1984 cuando se produce el punto de inflexión en esta primera época con David como frontman. Curiosamente con la aparición del disco denominado precisamente ¨1984¨, el cual les llevaría a los niveles de ventas y popularidad mas impresionantes, aumentarían las fricciones entre cantante y guitarrista y la desidia por parte del primero, además de un desacuerdo claro en la forma de entender hacia donde enfocar el estilo del grupo. 

La entrada de sintetizadores en este disco, no gusta demasiado a Roth, aunque curiosamente es quien luego apostó por un estilo mas comercial  y cercano al pop en sus posteriores discos en solitario. El sencillo ¨Jump¨ es una muestra de la utilización de teclados sintetizados, y este sencillo junto a canciones  pegadizas y llenas de energía como ¨Hot For Teacher¨ o ¨Panamᨠacompañadas de vídeos emitidos hasta la saciedad en la MTV del momento, hace que los niveles de ventas se disparen situándose en ese año 84 solo por detrás del álbum ¨Thriller¨ en el Billboard americano.

Pues bien, en pleno éxito comercial, David Lee Roth abandona el grupo después de la gira correspondiente en 1985 e inicia una también exitosa carrera en solitario, con canciones roquero festivas y con un punto gamberro y ciertamente cabaretero. Singles como ¨Just a Gigolo¨ o ¨California Girls¨, le siguen reportando éxito y fama, aunque su carrera decaería posteriormente para formar mas parte del entretenimiento televisivo con dudosos shows y minimizar su apartado artístico.

Mientras tanto la maquinaria Halen no puede quedarse parada, y para intentar recuperarse del abandono de David, se hacen con los servicios de Sammy Hagar, un cantante con algo mas de nivel vocal, pero si el carisma de David.
Logran mantener en cierto modo el éxito - cosa nada fácil cuando los cimientos de un grupo se desmoronan en el mejor momento -, consiguen un sonido mas elaborado y sacan a la luz algunas baladas que apuntan mas sutilemente al corazón, al contrario que las incendiarias y sexuales composiciones de la época Roth. Consiguen en estos años varios números uno en las listas USA con sus diferentes discos. Canciones como ¨Why Cant This Be Love¨, y LPs como ¨OU812¨ o ¨For Unlawful Carnal Knowledge¨ son muestra de ello.

Pero tampoco esta formación sera eterna, y tras su último disco de estudio ¨Balance¨ de 1996, el grupo decide parar, en parte por la adicción a las drogas de Eddie.

La situación en la actualidad, es que vuelven los hermanos Van Halen (extrañamente sin el bajista Michael Anthony), con David Lee Roth para girar después de mas de 20 años. Y vuelven, obviando que hasta hace solo unos años se echaban pestes unos de otros y solo con Sammy Hagar veían la continuidad del grupo. Fabuloso caballero es don dinero.

Lo mejor de todo esto para un servidor, es la recuperación de Eddie, lo demás es rizar el rizo y resulta mucho mas preferible deleitarse con su legado del pasado. En cuanto a las preferencias entre un vocalista u otro, eso ya depende de los gustos de cada cual, pero a pesar de particularmente preferir la primera época, ambas son muy válidas y complementarías.

EL FUGAZ DESTELLO DE THUNDER

Quisiera hacer mención en este blog, a una de las bandas de Rock que a un servidor mas gratamente han sorprendido, desde hace ya varios años. Me refiero a la banda británica de Hard Rock, Thunder.

Nos encontramos ante el típico caso, de banda que amaga con el éxito masivo, pero que se queda finalmente en una segunda y discreta línea, realizando pequeños conciertos, y básicamente en las islas británicas.

Pero la realidad no siempre fue así. En sus inicios, concretaménte en el año 1989 y mas o menos hasta 1994, tuvieron un fuerte tirón en Inglaterra y participaron como cabezas de cartel en los festivales de Rock mas importantes del momento (léase Donington o Monsters of Rock).             

Este grupo, formado en la actualidad en la parte vocal por el increíble Danny Bowes, Harry James en la batería, Luke Morley y Ben Matthews en las guitarras junto a Chris Childs en el bajo, comenzaron su andadura con el LP de 1989 titulado Backstreet Simphony, cuya canción que da el nombre al disco, les hizo saltar a la primera plana con una importante entrada al top ten de las listas británicas.

Pero sin duda el momento clave y de mas éxito fue su siguiente álbum de 1992, Laughing on Judgement Day, este disco con canciones como A Better Man, Low Life In High Places o Like a Satellite, les hizo alcanzar su mayor cota de popularidad y lograron alzarlo hasta el número 2 de las listas inglesas. Además fue promocionado este LP, con videoclips muy recomendables que frecuentaron la MTV del momento (en especial los de las canciones señaladas anteriormente).

Mantuvieron la tónica con el siguiente disco de 1995, Behind The Closed Doors. Incluye este trabajo canciones que se convertirían en clásicos de su repertorio como I ll Be Waiting, River of Pain y sobre todo la vibrante Stand Up. Este Lp alcanzaría el número 5 en las listas inglesas y les mantendría como esa promesa que no acaba de explotar, pero a la que muchos críticos especializados alababan y postulaban, para ser unos dignos herederos de clásicos del Rock de décadas anteriores.

Desgraciadamente, en este instante comenzó la decadencia. Abandonan la multinacional EMI, y ya el siguiente disco es publicado por el casi independiente sello Castle. El resultado aún así es un disco muy correcto, evolucionado y bien producido, The Thrill of it All en 1996. Canciones como Pilot of My Dreams o Living for Today, son buena muestra de ello, pero en cuanto a ventas se quedan lejos de los 3 anteriores discos con EMI, y prueba de ello es que no sacaron ningún videoclip promocional. 

A partir de entonces se produce un antes y después en la banda. Vuelven a cambiar de discográfica y en 1999, sacan Giving The Game Away, un trabajo muy inspirado, en el que añaden un toque Pop y de modernidad al sonido de Hard Rock clásico con tintes Bluesys que les caracterizó hasta entonces. La nota negativa es la nula repercusión de su obra, por primera vez desde sus inicios. 

Y a partir de entonces, su creatividad (muy fluida hasta este momento), se resiente, y siguen sacando discos, en los que intentan regresar a su sonido inicial de Rock mas puro, pero entran en una espiral un poco repetitiva y de cierta monotonía en sus canciones.

Llama la atención como el carácter ameno y rico en sus composiciones, de sus 5 primeros LPs, desemboca en trabajos de calidad, pero poco inspirados e innovadores. La calidad sigue latente, la impresionante voz de Bowes o el buen hacer en la guitarra de Morley parece arreglarlo todo, pero discos como Shooting at the Sun (el cual les hizo resurgir levemente en cuanto a ventas), o The Magnificent Seventh, no llegan al nivel de las anteriores y geniales obras.

A pesar de todo, siempre hay lugar para el optimismo en el caso de los fans de la banda, y la aparición en 2008 de el disco Bang, hace recordar la frescura de antaño con unas muy inspiradas muestras. Carol Anne, Retribution o Turn Left To California, elevan el nivel de los últimos discos, pero sin llegar a el logrado en su mejor época.

En definitiva, el análisis final con el que concluyo, es que nos encontramos ante un grupo que tiene todas las cualidades necesarias para llegar mucho mas arriba en los indices de popularidad, e internarse con éxito en las listas de todo el mundo. Lo tenían todo en aquellos inicios de los años 90, buena imagen, una calidad fuera de toda duda, artífices de un Hard Rock muy audible, con muchas influencias de diferentes estilos; blues, soul, elementos del Pop mas elegante...

Pero se quedaron ahí, amagaron pero no pudieron. Siguen haciendo muestra de su buen hacer, con giras y discos mas o menos afortunados, pero fuera de toda relevancia informativa musical, lógico en parte por la deriva del mercado actual, y que ya a mediados de los 90 les comenzó a relegar para dejar paso a nuevas tendencias.

Muchos son los motivos para que Thunder increíblemente y en uno de los casos mas sangrantes de la música tengan en la actualidad tan nula repercusión, pero desgraciadamente en el Rock, no será la primera ni la última muestra. Conformémonos de todas formas con su recuerdo, poderoso legado y buen hacer.